Band of Joy

vor. Das Album ist wirklich gut und hörenswert. Aber es ist von so miserabler Soundqualität, so matschig und ohne jede Dynamik (DR = Dynamic Range 7)  aufgenommen, dass ich es sicherlich nicht häufiger als zwei mal von Konserve hören werde. Robert Plant muss einen massiven Gehörschaden haben oder ich bin von besseren Aufnahmen verwöhnt. Auch sein letztes Album, das (was Musik, Gesang und Interpretation angeht) wunderbare Raising Sand war dumpf und matschig aufgenommen und im Vergleich etwa zu den Produktionen von Daniel Lanois nur mit Dröhnung zu ertragen. Vielleicht gibt Robert Plant ja endlich mal die Verantwortung für Sound und Aufnahme an einen fähigeren Produzenten ab.

Ganz anders der Live-Auftritt: Man mag Robert Plants exaltierte Handgymnastik rund um das Mikrofon finden, wie man will – der Mann ist ein ausdrucksvoller Sänger. Die ältere Diva des Rock mit den vielen interessanten Falten. Und dann die Band: Ich sehe und höre Patty Griffin, deren Soloalben ich ja sehr schätze. Hoch konzentriert singt sie (die Herren kommen mit ihren Stimmen nicht hoch hinaus) so kräftige und hohe Gesangslinien dazu, dass sich sofort Gänsehaut einstellt.

Und dann kommt aus dem Hintergrund ein Gitarrist hervor, den ich noch nie gesehen hatte: Buddy Miller macht alles anders als die vielen 08/15 Gitarristen. Seine Soli auf sehr unorthodoxen Gitarren (halbakustisch mit Tremolo, Lap-Steel) sind so ungewöhnlich, so ausdrucksvoll, so “noch nie gehört”, das haut einen um. Er schrammt akustischen Punk mit komplizierten Rhythmen, säuselt Engelsharfen aus der Lap-Steel, hackt das “Rockbrett” kurz und knapp und baut jedes Solo originell und spannend auf. So einen guten Gitarristen habe ich lange nicht mehr gehört.

Buddy Miller war unter anderem Leadgitarrist in der Band von Emmylou Harris. Und die hatte noch nie einen schlechten Gitarrenmann in ihren vielen Bands. Also los und Buddy Miller hören. Am besten mit “Band Of Joy”. Aber in jedem Fall live, denn dieses Album sollte man wegen des grottenschlechten Sounds boykottieren.

In 1995 he was interviewed at Actor’s Studio. See:

Less serious, but even more revealing – his dance-overload (watch to the end!):

Levon Helm (by billboard.com)

About two weeks ago Levon Helm died. Levon was the man with that unique moving voice and the fat rock-bassdrum. He reached stardom with the band, could be heard singing 3 to 4 voice and nailing this whole hippie-company together in the legendary “The Last Waltz” film by Martin Scorcese. Just a few solo-albums showed his gift of bringing a song across to the hearts of the listener. Even better he did in his solo album “Dirt Farmer”, where he discovered the old songs of his Arkansas home. He recorded this album after recovering from throat cancer. His studio burnt down. He had quite a load to bear in his later days.

And every time i hear this man sing, it moves me back and forth. Straight from the heart, like in his guest apearance in the great album “The Neighborhood” by Los Lobos, where he sang “Little John Of God”. You can’t do better.

Zappa ist die höchstniveauige Kombination von meisterklassigem Musikantentum und subversivem Witz. Ich konnte aber nie drüber lachen. Ich fand Zappa immer sehr viel Aufwand und letztlich langweiliges Sportgedaddel für relativ wenig Pointe. Und da war nichts bei, was mich berührt hat. Zappa zu hören war für mich immer, als würde ich im Zirkus eine Artistentruppe anschauen.

und hat nicht mal so ganz Unrecht damit. Ganz korrekt wäre es, wenn man “subversiv” durch “pubertär” ersetzt. – It’s only rock’n roll….

The Best Of Barbara Dennerlein

Barbara Dennerlei, die perfekte Technikerin, macht aus dieser Not eine Tugend: Interessant arrangierte Kompositionen, die den Begleitmusikern viel Raum lassen, wilde Bläsersätze (hört sich manchmal an wie Dirty Dozen Brass Band) und der witzige Details (wilde Singstimmen, harmonische Spielereien) – die Frau ist eine brilliante Komponistin mit viel Witz. Die etwas gleichmäßige Dynamik der Orgel gleicht die Band aus. Es ist extrem funky, es groovt wie die Sau.

Warum keine 5 Sterne? Es ist zu viel B3 für meinen Geschmack. Und das geht mir sogar bei Jimmy Smith so, und der ist wirklich ein ganz Großer. Und der Sound gefällt mir nicht, er ist zu spitz. Ein relativ geringer Dynamikumfang (DR=9 ist wenig für eine Jazzplatte), sehr spitze Bläser und wo bleibt der Griff zu den tiefen Registern? Wenn mein Lieblings-Orgler Brian Auger in die Tasten greift, dann wackeln vom Bass auch mal die Wände oder es wird ganz langsam. Hier dagegen kling es immer hell und gefällig. Und einige langsamere oder sogar dramatische Nummern (das geht auf der Orgel) wären auch ganz schön gewesen. Aber: Wer es flott und gefällig mag, hat hier viel Freude.
Rating: 3 out of 5 stars

Streetnoise

Eine unwiderstehliche und intensive Mischung aus (modalem!) Jazz, Soul, Blues und Avantgarde brachte Brian Auger zustande mit der unglaublich charismatischen Sängerin Julie Driscoll und anderen Musikern, die später in anderen britischen Combos berühmt wurden. Der treibende und harmonisch ausgefallene Titel “Tropic of Capricorn”, das tiefschwarze Cover “When I was a young girl”, das programmatisch schmerzhafte “Czechoslovakia”, “Light My Fire” so abgrundtief intensiv und rabenschwarz-sexy wie kaum eine andere Version dieses vielgespielten Titels. Man mag kaum auf einzelne Titel eingehen – jede Interpretation und vor allem auch die Eigenkompositionen sind über jeden Zweifel erhaben und gehören zum Besten, was im Grenzbereich zwischen den genannten Musikstilen in den letzten 40 Jahren zu hören war. Dieses Album glüht wie ein Komet, kein Wunder, dass die Band sich kurz darauf in alle Himmelsrichtungen zerstreute.

Über die merkwürdigen Umstände der Entstehung dieses Ausnahmealbums ist bei Amazon und in den Liner-Notes schon viel geschrieben worden. Den großen Zeitdruck hört man den scheinbar oft im first take entstandenen Aufnahmen teilweise etwas an. Aber wenn Brian Auger die tiefen Register seiner Orgel dazu bringt, buchstäblich die Wände wackeln zu lassen. Wenn Julie Driscoll raunt und ihre Stimme in die tiefsten Lagen zwingt, wenn Drummer Clive Thacker ebenso kraftvoll wie präzise den Grenzbereich zwischen Hardrock (entstand mit Jeff Beck’s Formation etwa zeitgleich) und Jazz auslotet. Das klingt unfassbar modern, absolut zeitlos und ist übrigens auch (play it loud) sehr gut und durchsichtig aufgenommen. DR = 8 (was man beim Hören nicht glauben mag – so laut und leise wie das Album wirkt).

Ein Album für alle, die sich nicht vor intensiver Musik fürchten und wissen wollen, wie weit die moderne Musik schon 1970 war. Und die auch komplexe Harmonien oder heftige Interpretationen vertragen.

Rating: 5 out of 5 stars

Bring the Family

eine außergewöhnliche Basis. Gerade vom Alkohol weg wurde er von einem A&R Manager gefragt, was seine Traumband für ein Soloalbum wäre. Nick Lowe (b), Ry Cooder (g) und Jim Keltner (dr) war seine Antwort und diese Drei waren (bei einem so guten Songwriter wie Hiatt nicht verwunderlich) sofort bereit, mit ihm in’s Studio zu gehen. Und heraus kam (nach nur vier Tagen Studioarbeit) dieses Ausnahmealbum, mit welchem Hiatt für die nächsten dreißig Jahre seinen Ruf als erwachsenster aller Song-Writer im Rock festigte.

Hier passte Alles: Faszinierende Rocker und Balladen über die auch ernsten Themen des Lebens. Hiatt wird nie kitschig (allenfalls bei der ironischen Ballade “Lipstick Sunset”) und behandelt doch Trennung, Treue und Familie auch von der dunklen Seite. Ebenso eindrucksvolle wie zuückhaltende Slide-Licks von Ry Cooder, dessen bestes Rockalbum dies in meinen Ohren ist. Der völlig stoische und doch immer irgendwie heiter dahin hüpfende Bass des als Bassist doch ziemlich unbekannten Nick Lowe. Und vor allem und immer wieder die variable, spannende, raumfüllende und entspannte Trommelei meines Lieblingsdrummers Jim Keltner. Wie der hier im Rocker “Memphis in the meantime” Spannung durch eine schwere, leicht gegen die Band verschobene Snare erzeugt. Wie er mit kleinen Glöckchen oder kurzen Figuren auf dem Becken Akzente setze. Und vor allem, wie Keltner gerade hier alle langweiligen und vorhersehbaren Aktionen eines normalen Drummers einfach komplett weg lässt. Es gibt keine “normale” Schlagzeugarbeit mit Bumm auf die Zwei, sondern im Zweifel wird alles ausgelassen, was die Akzente und Phrasen der anderen Instrumente stören könnte.

So entsteht (vor allem in der unbedingt hörenswerten und vorzugswürdigen Remastered-Version der CD) ein filigranes Klangbild aus fettem Bass, knurrender Slide-Gitarre, luftigen Drums und etwas Piano, das die knarzige Stimme von Hiatt perfekt umrahmt. Besser kann so ein Singer-Songwriter Rockalbum eigentlich kaum klingen. Und die Zusammenarbeit der vier Musiker war so spontan gelungen und erfolgreich, dass sie mit dieser Besetzung als “Supergroup” Little Village gleich noch ein Ausnahmealbum einspielten.

Rating: 5 out of 5 stars DR = 11

A Different Kind of Truth

Die Band rackert sich ab. Die Musik (was man hören kann) ist wirklich inspiriert. Wir hören einen unglaublich interessanten Sänger, einen völlig ausgefuchsten Gitarristen, einen ziemlich wilden Drummer und mit Wolfgang VH (der Sohn des Edward) einen dynamischen, vitalen Bassisten. Aber leider hören wir nichts. Nichts. Das gesamte Album ist zusammengematscht und komprimiert in einem Maße, dass man es auf einem 5 cm kleinen Kofferradio-Lautsprecher problemlos hören kann. Es ist unglaublich: Matsch ohne Ende mit sagenhafter Kompression – Alles ist gleich laut (Gitarre und Gesang lauter, der Rest ziemlich viel leiser).Das zielt auf Menschen, die leider keine Stereoanlage, sondern nur ein schlechtes Autoradio besitzen.

Die Fakten: Das Album hat einen Dynamikumfang (DR = Dynamic Range) von 5! Das ist praktisch keine Dynamik – eben alle Töne möglichst gleich laut. Zum Vegleich: Ein interessant klingendes- oder sogar audiophiles Album hat DR-Werte von 12 bis 16. Ein normales Album der 80er (die große Zeit der VH) wie das von mir geschätzte Album Diver Down (1982) hat einen DR von 12 – und hört sich nicht nur deshalb gut an. Was sich der Drummer dachte, als er seine Becken bearbeitete (und er tut das extrem fantasievoll). Was der Bassist tut, wenn Vater wieder mal zu einem großen Solo abhebt. All das geht leider in einem grauenhaften Matsch unter. Die Gitarre des Meisters, sein sicherlich großartiger Röhrenamp, seine stupende Technik – alles Matsch. Es klingt wie ein gottverdammter Transistor-FUZZ aus China für 17,80 EUR im Einzelhandel. Das kommt davon, wenn man Gehörkranke und Scheintote bei Aufnahmen an die Regler lässt. Wir sollten die Toningenieure dieser Aufnahme zwingen, das grauenhaft klingende Produkt ihrer Arbeit täglich eine Stunde 14 Tage lang zu hören. Der niedrigste von mir gemessene DR aller Zeiten vernichtet ein eigentlich gutes Album. Musik für Menschen ohne Ohren. Ich habe noch nie ein gutes Album mit einem DR von weniger als 10 gehört. Aber DR = 5 ist wirklich zum Weglaufen.

Fazit: Gute Musik kann mit DR 5 auch so zum Kotzen klingen!

Rating: 1 out of 5 stars

Jennifer Warnes (mit Jackson Browne); www.jenniferwarnes.com

Manchmal fragt man sich schon, wie das kommt. Eine der gefragtesten Session-Sängerinnen der Welt, mehrfach mit Grammys und Oscars ausgezeichnet, macht nach fast 10 Jahren mal wieder ein eigenes Album und nennt das “The Well” – wie wir aus diesem Artikel erfahren, aus gutem Grund.

Jennifer Warnes hatte tiefe persönliche Bindungen nach Austin/Texas. Sie fand dort (Jahre nachdem sie wieder nach Los Angeles zurück gezogen war) zu Doyle Bramhall, einer lokalen Musikerlegende, einem langjährigen Freund und Songschreiber der anderen texanischen Legende Stevie Ray Vaughn. Und nachdem sie festgestellt hatten, dass ihre Stimmen zu unterschiedlich sind (Warnes raucht und trinkt nicht, dafür aber Bramhall):

Her voice shimmered with sunlight, and he was all about barlight. “Yet we liked each other,” says Warnes, “because he had what I could never have and I had what he could never have.”

entstand ein gemeinsames Projekt: Man traf sich am “Jacob’s Well” einem größeren Quellsee bei Austin und beschloss, die Talente zusammen zu werfen. Und heraus kam (nach Lösung von einem lästig gewordenen Plattenvertrag) das großartige Album

The Well

Rating: 4 out of 5 stars DR = 11

dessen Höhepunkte der Titelsong von Warnes/Bramhall sowie das ergreifende Duett “You Don’t Know Me” mit Doyle Bramhall sind. Aus dem schlichten Kalkül “Engelsstimme vs. Bar-Voice” wird hier großes Ohrenkino. Und weil dieses Album auch sonst einige Überraschungen bietet (zum Beispiel ein wild arrangiertes Protestlied von und mit Arlo Guthrie), lohnt sich der Kauf als remastered 24 k Gold-Edition (erhältlich bei verschiedenen deutschen Spezialversandhäusern für ca. 35 EUR). Denn eine audiophile Perle ist dieses Album von Warnes ohnehin.

Doris Day ist den meisten Deutschen nur bekannt aus einer Vielzahl zum Teil obskurer und teilweise sehr zeitgeistiger Filme und Komödien der 50er und 60er Jahre. Mit und ohne Rock Hudson. Mit und ohne Alfred Hitchcock, mit dem Sie (in Ihrem ersten filmischen Auslandseinsatz) den berühmten Film “Der Mann der zu viel wusste (1957)” drehte. Dort sang sie ihren ganz großen Hit “Que sera, sera” und dieser wurde zu ihrem musikalischen Markenzeichen. Mit dieser wie betoniert sitzenden Blondfrisur, dem freundlichen Gesicht und diesem clean look ist sie gleichermaßen Ikone der 50er Jahre und Inbegriff der sauberen amerikanischen Hausfrau – patent, freundlich und sauber. Doris Day ist aber auch die ausgefuchste Sängerin mit der nicht mehr jugendfreien Sahnestimme – technisch perfekt, in allen Stimmlagen zu Hause, ausdrucksvoll und nur scheinbar naiv macht sie aus dem banalsten Broadway-Schlager eine stimmliche Verführung des Hörers – scheinbar naiv, bezaubernd sexy und technisch unauffällig brillant. Eine Jazz- und Popsängerin, von deren schöner Stimme und brillanter Interpretation der Hörer heute noch verzaubert sein kann.

Was kaum jemand weiß: Die Filmkarriere war (nach einer kurzen, durch Autounfall im Teenageralter vorzeitig beendeten Tanzkarriere) bereits die zweite Karriere der DD. Zuvor war sie, die 1924 Geborene, bereits die berühmteste und am meisten verkaufte amerikanische Sängerin der Nachkriegszeit. Und eine technisch wie künstlerisch beeindruckende Sängerin, die vor allem mit Jazzcombos und Big-Bands seit ihrem ersten Hit “Sentimental Journey (1944)” einen Erfolg nach dem anderen feierte. Bei einer Sängerin, die im Laufe ihrer Karriere nicht nur fast 40 Filme drehte, sondern auch eine fast nicht mehr zählbare Fülle von Aufnahmen, Soundtracks und Alben veröffentlichte, fällt der Einstieg schwer. Und darum ist der Sampler

Golden Girl [Columbia Records]

ein perfekter Einstieg in das Werk dieser famosen Sängerin. Unter dem Titel “Golden Girl” fassen die 2 CDs alle wichtigen Titel Day’s der Jahre von 1944 bis 1966 zusammen. Es findet sich auch unveröffentlichtes Material, die Soundqualität ist (dank meist studiotechnisch guter Aufnahmen und Remastering) bis auf die bescheidene Räumlichkeit gut. Und Day zeigt mit jedem Titel, was sie kann: Koloraturen, sanftes Vibrato, überraschende und dramatische Lagenwechsel, cooler Sprechgesang und immer wieder dieses mädchenhaft-naive Raunen, das so intim und sexy gesungen ist wie ein Gute-Nacht Lied nur für Erwachsene. Und nur selten bemerkt der Hörer, wie gekonnt hier Gesang gemacht wird. Es kommt so lässig und selbstverständlich wie das Rückwärts-Tanzen der Zeitgenossin Ginger Rodgers auf Stöckelschuhen – schön und perfekt, aber dem damaligen Zeitgeist entsprechend darf einer Frau das Können und die Perfektion niemand anmerken.

Was hier noch zu hören ist: Die Big-Bands und Jazz-Combos der damaligen Zeit hatten eine handwerkliche Qualität, die immer wieder überzeugt. Da bleibt nur: Hören!

Rating: 5 out of 5 stars DR = 12